En 2009, Noella Borie travaillait déjà sur un scénario qu’elle espérait transformer en long métrage. En tant que directrice de l’animation du studio numérique créatif, Click 3X, Borie a su donner vie à l’art à l’écran. Mais avec ce projet personnel, elle a voulu s’aventurer dans un nouveau territoire, et après avoir vu le film Coraline, elle a su ce que ce serait: animation en stop-motion.
Qu’est-ce que l’animation Stop-Motion?
Stop-motion est une technique d’animation qui permet aux objets physiques (comme les marionnettes posables ou les balles d’argile) de se déplacer par eux-mêmes en photographiant leur musique. mouvement par petits incréments, image par image, puis en animant ceux-ci en une seule séquence. Tandis que ses exemples les plus populaires impliquent l’argile et les marionnettes, l’arrêt-mouvement peut être fait avec presque n’importe quel moyen 3D, que ce soit des blocs de construction, des jouets ou même des personnes.
Avec l’imagination de Borie et son esprit confus, elle s’est mise à faire de son rêve d’arrêt une réalité. Ce qu’elle a découvert, cependant, était qu’il y avait peu d’instruction disponible pour le nouveau venu stop-motion. Sans se laisser démonter, elle a pris les choses en main et a commencé à expérimenter avec elle.
En 2013, elle sort “Faceless Neil: Hors des ténèbres”, son premier film entièrement réalisé en stop-motion. Avec cinq ans d’expérience à son actif, elle se souvient encore de ce que c’était que de se lancer dans le genre pour la première fois. C’est pourquoi elle était impatiente de partager ces conseils et astuces pour faire de votre incursion dans stop-motion un succès.
1. Connaissez votre histoire
Parce que l’animation image par image peut être une production très complexe, il est important que vous ayez un script solide avant de prendre une caméra ou de commencer à préparer vos accessoires. Borie a réellement réfléchi au scénario de “Faceless Neil” pendant des années avant de le faire vivre. Bien que ce ne soit pas pratique pour la plupart des projets, le message à emporter demeure: Le remplissage du script lisse d’abord et rationalise le reste du processus, car vous aurez déjà travaillé sur des problèmes.
2. Esquissez-le
Une fois son scénario défini, Borie a travaillé à l’esquisser dans des cadres de storyboard vierges qu’elle a imprimés à partir de son ordinateur. Au fur et à mesure qu’elle progressait dans le scénario, chaque image était méticuleusement nommée et numérotée (comme “SC001-002”). C’était vital parce que ces cadres de storyboard deviennent le modèle que Borie a constamment référencé pendant le tournage. Avec le storyboard complet, elle a scanné chaque image dans son ordinateur et les a animées dans un format vidéo rugueux, ce qui lui a permis de voir comment le scénario coulait en temps réel et d’attraper d’autres réglages avant de filmer.
3. Définir la scène
Avec le scénario étoffé, il est temps de commencer à le faire vivre. Cela signifie qu’il faudra assembler tous les accessoires dont vous aurez besoin pour votre scénario, vos personnages et votre décor. Pour le projet de Borie, cela impliquait d’avoir des marionnettes façonnées par des artistes professionnels; Cependant, il peut être aussi simple que de rassembler un ensemble de blocs ou une boîte de fournitures d’art. Une chose à garder à l’esprit est de savoir comment vos éléments vont se coordonner (plutôt que d’être en conflit) avec l’arrière-plan, afin que l’attention du spectateur ne soit pas distraite.
4. Vous ressemblez à un naturel
Pour toute animation, la façon dont vos pièces se déplacent devrait être transparente, et particulièrement avec l’animation image par image. Les spectateurs peuvent être distraits et perdre tout intérêt si le mouvement est saccadé ou contre nature. Borie était méticuleuse à l’idée de s’assurer que les mouvements de ses marionnettes semblaient réels en les répétant soigneusement avant de filmer et même de synchroniser leurs paroles. L’éclairage est également essentiel pour faire en sorte que la scène communique l’état d’esprit que vous souhaitez et pour vous assurer que tout est clair pour le spectateur. Vous voudrez faire quelques essais pour vous assurer que l’éclairage fonctionne efficacement.
5. Tournage
Enfin, une fois que toutes vos pièces sont en place et que vous avez une bonne idée de la façon dont vous voulez qu’elles travaillent ensemble, vous pouvez commencer à photographier chaque image. Borie a utilisé un Nikon D90, cependant, tout type d’appareil photo numérique peut être utilisé, et certaines animations stop-motion ont même utilisé des smartphones pour capturer des images. Vous aurez besoin d’avoir la caméra dans une position statique en utilisant un trépied ou un support, de sorte que lorsque vous changez chaque image, l’appareil photo ne rebondit pas ou ne bouge pas. Borie suggère de filmer des images avec des angles de caméra similaires en même temps (plutôt que strictement chronologiquement) pour plus d’efficacité et pour limiter la quantité de changements d’installation qui prennent du temps.
6. Tout mettre ensemble
Borie a utilisé le logiciel d’animation Dragonframe (qui est spécialement conçu pour être utilisé en stop-motion) pour l’aider à organiser et à préparer ses photos d’animation. Il est conçu pour être utilisé avec certains reflex numériques Nikon et Canon. Borie le recommande comme le programme indispensable si vous êtes sérieux au sujet de l’arrêt-mouvement pour la publicité commerciale ou le cinéma. Cependant, il existe plusieurs autres programmes disponibles, ainsi que des applications que vous pouvez télécharger pour transformer votre smartphone en une station d’animation virtuelle. (Une application recommandée pour essayer est Lapse It Pro, disponible pour les appareils Apple et Android.) Elle a ensuite importé tous ses fichiers photo dans Adobe After Effects, où elle a pu les éditer et éventuellement les animer dans une séquence vidéo transparente.
7. Ajout des touches de finition
Comme avec presque n’importe quel projet d’animation ou de design, il faudra faire des photoshopping pour nettoyer et peaufiner votre travail. Borie a essayé de limiter la quantité de travail de post-production nécessaire en n’utilisant pas un écran vert et en photographiant toujours ses personnages directement dans l’ensemble, mais certains mouvements de ses marionnettes ont nécessité un montage qui a dû être effacé par la suite. C’est également à ce stade que vous pouvez superposer de la musique et de l’audio dans le fichier vidéo.